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I pianisti (e non solo) Duke Ellington ★

Ellington nacque il 29 aprile 1899 da James Edward Ellington e Daisy (Kennedy) Ellington a Washington, DC. Entrambi i suoi genitori erano pianisti. Daisy suonava principalmente canzoni da salotto e James preferiva le arie d’opera. Vivevano con i genitori di Daisy al 2129 di Ida Place (ora Ward Place), a nord-ovest, nel quartiere del West End di Washington DC.
Il padre di Duke nacque a Lincolnton, nella Carolina del Nord, il 15 aprile 1879, e si trasferì a D.C. nel 1886 con i suoi genitori.
Daisy Kennedy è nata a Washington, DC, il 4 gennaio 1879, figlia di un ex schiavo americano.
James Ellington fece progetti per la Marina degli Stati Uniti.
Quando Edward Ellington era bambino, la sua famiglia mostrava orgoglio e sostegno razziali nella loro casa, così come molte altre famiglie. Gli afroamericani nel D.C. lavorarono per proteggere i loro figli dalle leggi dell’era Jim Crow.
All’età di sette anni, Ellington iniziò a prendere lezioni di piano da Marietta Clinkscales. Daisy ha circondato suo figlio di donne dignitose per rafforzare le sue maniere e insegnargli l’eleganza. I suoi amici d’infanzia notarono che il suo stile casual e disinvolto e il suo vestito elegante gli davano il portamento di un giovane nobile, così iniziarono a chiamarlo “Duca”. Ellington ha accreditato il suo amico Edgar McEntree per il soprannome. “Penso che sentisse che per poter beneficiare della sua compagnia costante, avrei dovuto avere un titolo. Così mi ha chiamato Duke.”
Sebbene Ellington prendesse lezioni di piano, era più interessato al baseball. “Il presidente Roosevelt (Teddy) veniva a volte a cavallo e si fermava a guardarci suonare”, ha ricordato.
Ellington andò alla Armstrong Technical High School di Washington, D.C. Il suo primo lavoro fu la vendita di noccioline alle partite di baseball dei Washington senators.
Ellington ha iniziato a intrufolarsi nella sala da biliardo di Frank Holiday all’età di quattordici anni. Sentire la musica dei pianisti della sala da biliardo accese l’amore di Ellington per lo strumento e iniziò a prendere sul serio i suoi studi di pianoforte. Tra i molti pianisti che ha ascoltato c’erano Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton, Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson, Claude Hopkins, Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts, Eubie Blake , Joe Rochester e Harvey Brooks.
Nell’estate del 1914, mentre lavorava presso il Poodle Dog Café, Ellington scrisse la sua prima composizione, “Soda Fountain Rag” (noto anche come “Poodle Dog Rag”). Creò il brano a orecchio, poiché non aveva ancora imparato a leggere e scrivere musica. “Avrei suonato ” Soda Fountain Rag “come trotto ad un passo, a due passi, valzer, tango e fox”, ha ricordato Ellington.
Nella sua autobiografia, Music is my Mistress (1973), Ellington scrisse di aver perso più lezioni di quelle che frequentava, sentendo all’epoca che suonare il piano non era il suo talento.
Ellington continuò ad ascoltare, guardare e imitare i pianisti ragtime, non solo a Washington, DC, ma a Filadelfia e ad Atlantic City, dove durante l’estate andava in vacanza con sua madre.
A volte sentiva una musica strana suonata da coloro che non potevano permettersi uno spartito, quindi per variazioni suonavano i fogli sottosopra.
Henry Lee Grant, un insegnante di musica della Dunbar High School, gli diede lezioni private in armonia. Con la guida aggiuntiva del pianista e bandleader di Washington Oliver “Doc” Perry, Ellington ha imparato a leggere spartiti, proiettare uno stile professionale e migliorare la sua tecnica. Ellington è stato anche ispirato dai suoi primi incontri con i pianisti stride James P. Johnson e Luckey Roberts. Più tardi a New York ricevette la consulenza di Will Marion CookFats Waller e Sidney Bechet. Ellington iniziò a suonare in caffè e club nei dintorni di Washington, DC. Il suo attaccamento alla musica era così forte che nel 1916 rifiutò una borsa di studio al Pratt Institute di Brooklyn. Tre mesi prima della laurea abbandonò la Armstrong Manual Training School, dove studiava arte commerciale.
Lavorando come pittore indipendente dal 1917, Ellington iniziò ad assemblare gruppi per suonare ai balli.
Nel 1919 conobbe il batterista Sonny Greer del New Jersey, che incoraggiò l’ambizione di Ellington di diventare un musicista professionista. Ellington ha costruito la sua attività musicale attraverso il suo lavoro quotidiano: quando un cliente gli chiedeva di fare un progetto per una danza o una festa, gli chiedeva se avevano intrattenimento musicale; in caso contrario, Ellington si offrirà di suonare per l’occasione. Ha anche avuto un lavoro nella messaggistica con la US Navy e dipartimenti statali, dove ha stabilito una vasta gamma di contatti.
Ellington si trasferì dalla casa dei suoi genitori e acquistò il suo appartamente mentre diventava un pianista di successo. Inizialmente, ha suonato in altri ensemble, e alla fine del 1917 ha formato il suo primo gruppo, “The Duke’s Serenaders” (“Colored Syncopators”, proclamati così nella sua pubblicità nell’elenco telefonico).
Era anche l’agente di prenotazione del gruppo. Il suo primo appuntamento teatrale è stato alla True Reformer’s Hall, dove ha portato a casa 75 centesimi.
Ellington ha suonato in tutta l’area D.C. e in Virginia per balli della società privata e feste di ambasciata. La band comprendeva l’amico d’infanzia Otto Hardwick, che iniziò a suonare il contrabbasso, poi passò al sax C-melody e alla fine si sistemò con il sassofono contralto; Arthur Whetsel alla tromba; Elmer Snowden sul banjo; e Sonny Greer alla batteria. La band prosperò, esibendosi sia per il pubblico afroamericano che per quello bianco, una rarità nella società segregata del giorno
Quando il suo batterista Sonny Greer fu invitato a unirsi alla Wilbur Sweatman Orchestra di New York City, Ellington lasciò la sua carriera di successo nel D.C. e si trasferì ad Harlem, diventando infine parte del Rinascimento di Harlem. La nuova mania per una danza come il Charleston emersero ad Harlem, così come il teatro musicale afroamericano, incluso Shuffle Along di Eubie Blake. Dopo che i giovani musicisti lasciarono la Sweatman Orchestra per suonare da soli, trovarono una scena jazz emergente che era altamente competitiva con difficoltà inroad. Di giorno si affrettavano a giocare a biliardo e suonavano qualunque concerto riuscissero a trovare. La giovane band ha incontrato il pianista stride Willie “The lion” Smith, che li ha introdusse sulla scena e diede loro dei soldi. Hanno suonato alle feste in affitto per guadagnare extra. Dopo alcuni mesi, i giovani musicisti tornarono a Washington, DC, sentendosi scoraggiati.
Nel giugno del 1923 fecero un concerto ad Atlantic City, nel New Jersey, un altro nel prestigioso Exclusive Club di Harlem. Questo fu seguito nel settembre del 1923 da un trasferimento all’Hollywood Club (al 49 ° e Broadway) per un impegno di quattro anni, che diede a Ellington una solida base artistica. Era noto per suonare la tromba alla fine di ogni esibizione. Il gruppo inizialmente si chiamava Elmer Snowden and his Black Sox Orchestra e aveva sette membri, tra cui il trombettista Bubber Miley. Si ribattezzarono The Washingtonians. Snowden lasciò il gruppo all’inizio del 1924 ed Ellington subentrò come capofila. Dopo un incendio, il club fu riaperto come Kentucky Club.
Nel 1924 Ellington realizzò otto dischi, ricevendo crediti compositivi su tre tra cui “Choo Choo”.
Nel 1925, Ellington contribuì con quattro canzoni a Chocolate Kiddies con Lottie Gee e Adelaide Hall, una rivista tutta afro-americana che introdusse il pubblico europeo agli stili e gli attori afroamericani. Duke Ellington e la sua Kentucky Club Orchestra crebbero fino a diventare un gruppo di dieci musicisti; hanno sviluppato il proprio suono mostrando l’espressione non tradizionale degli arrangiamenti di Ellington, i ritmi di strada di Harlem e il trombone dal suono esotico che ringhia con wah-wah, trombe squillanti e licks di sassofono dei membri della band. Per un breve periodo, il sassofonista soprano Sidney Bechet ha suonato con loro, impartendo il suo swing propulsivo e la sua superiore musicalità ai giovani membri della band.
Nell’ottobre 1926, Ellington fece un accordo con l’agente editore Irving Mills, dando a Mills un interesse del 45% sul futuro di Ellington.
Mills aveva un occhio per i nuovi talenti e ha pubblicato composizioni di Hoagy Carmicheal, Dorothy Fields e Harold Arlen all’inizio della loro carriera. Dopo aver registrato una manciata di titoli acustici nel periodo 1924–26, la firma di Ellington con Mills gli permise di registrare in maniera prolifica, sebbene a volte registrasse versioni diverse della stessa melodia. Mills spesso prendevano il merito del compositore. Fin dall’inizio della loro relazione, Mills ha organizzato sessioni di registrazione su quasi tutte le etichette tra cui Brunswick, Victor, Columbia, OKeh, Pathê (e la sua etichetta Perfect), il gruppo di etichette ARC / Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) e le loro etichette dime-store (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week e le etichette più economiche della Columbia (Harmony, Diva, Velvet Tone, Clarion) che hanno dato a Ellington un riconoscimento popolare. Su OKeh, i suoi dischi erano di solito pubblicati come The Harlem Footwarmers, mentre quelli di Brunswick venivano solitamente pubblicati come The Jungle Band. Whoopee Makers e altri pseudonimi
Nel settembre del 1927, King Oliver rifiutò una prenotazione regolare per il suo gruppo come house band all’Harlem’s Cotton Club; l’offerta passò a Ellington dopo che Jimmy McHugh glielo suggerì e Mills organizzò un provino.
Ellington ha dovuto passare da un gruppo di sei a undici pezzi per soddisfare i requisiti della direzione del Cotton Club per l’audizione e l’impegno è finalmente iniziato il 4 dicembre
Con una trasmissione radiofonica settimanale, la clientela esclusivamente bianca e ricca del Cotton Club si riversava di notte per vederli. Al Cotton Club, il gruppo di Ellington ha eseguito tutta la musica per le riviste, che mescolava commedia, numeri di danza, vaudeville, burlesque, musica e alcol illecito. I numeri musicali sono stati composti da Jimmy McHugh e i testi di Dorothy Fields (in seguito Harold Arlen e Ted Koehler), con alcuni originali di Ellington mescolati.
Le trasmissioni radio settimanali del club hanno dato visibilità nazionale a Ellington.
Sebbene il trombettista Bubber Miley sia stato un membro dell’orchestra solo per un breve periodo, ha avuto una grande influenza sul suono di Ellington.
Come primo esponente della tromba “growl”, Miley cambiò il dolce suono della band dance del gruppo con uno più caldo, che i contemporanei chiamarono Jungle Style. Nell’ottobre 1927, Ellington e la sua Orchestra registrarono diverse composizioni con Adelaide Hall. Una in particolare, “Creole Love Call”, è diventata una sensazione mondiale e ha regalato a Ellington e Hall il loro primo disco di successo.
Miley aveva composto la maggior parte di “Creole Love Call” e “Black and Tan Fantasy”.
Miley, fortemente alcolizzato, ha dovuto lasciare la band prima di guadagnare fama. Morì nel 1932 all’età di 29 anni, ma ebbe un’influenza importante su Cootie Williams, che lo sostituì.
Nel 1929, la Cotton Club Orchestra è apparsa sul palco per diversi mesi in Show Girl di Florenz Ziegfeld, insieme alle star vaudeville Jimmy Durante, Eddie Foy, Jr., Ruby Keeler, e con musica e testi di George Gershwin e Gus Kahn. Will Vodery, supervisore musicale di Ziegfeld, raccomandò Ellington per lo spettacolo e, secondo Beyond Category: The Life and Genius di Duke Ellington di John Hasse, “Forse durante la corsa di Show Girl, Ellington ricevette quelle che in seguito definì preziose lezioni di orchestrazione ‘da Will Vodery.
Il lavoro cinematografico di Ellington iniziò con Black and Tan (1929), un cortometraggio RKO interamente afroamericano di 19 minuti in cui interpretava l’eroe “Duke”. È anche apparso nel film Amos ‘n’ Andy Check and Double Check, pubblicato nel 1930. Quell’anno, Ellington e la sua Orchestra si sono collegati con un pubblico completamente diverso in un concerto con Maurice Chevalier e si sono anche esibiti al Roseland Ballroom, “America’s first ballroom “. Il compositore australiano Percy Grainger è stato uno dei primi ammiratori e sostenitori. Ha scritto “I tre più grandi compositori che siano mai vissuti sono Bach, Delius e Duke Ellington. Sfortunatamente Bach è morto, Delius è molto malato ma siamo felici di avere con noi oggi The Duke”.
Il primo periodo di Ellington al Cotton Club si concluse nel 1931.
Ellington guidava l’orchestra dirigendo dalla tastiera usando spunti di piano e gesti visivi; molto raramente ha condotto usando un testimone.
Nel 1932 la sua orchestra era composta da sei strumenti a fiato, quattro ance e una sezione ritmica di quattro uomini.
Come capofila, Ellington non era un rigoroso disciplinare; ha mantenuto il controllo della sua orchestra con una combinazione di fascino, umorismo, adulazione e psicologia astuta. Una persona complessa e riservata, ha rivelato i suoi sentimenti solo ai suoi intimi più stretti e ha effettivamente utilizzato il suo personaggio pubblico per distogliere l’attenzione da se stesso.
Ellington firmò in esclusiva per Brunswick nel 1932 e rimase con loro fino alla fine del 1936 (sebbene con un breve periodo dal 1933 al 34 passò a Victor quando Irving Mills trasferì temporaneamente lui e gli altri suoi atti da Brunswick).
Con il peggioramento della depressione, l’industria discografica era in crisi, facendo cadere oltre il 90% dei suoi artisti entro il 1933. Anderson fu assunta come cantante per la Ellington Orchestra nel 1931. È la cantante di “It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)” (1932) tra le altre registrazioni. Sonny Greer ha fornito voci occasionali e ha continuato a fare un inter-talk con la Anderson. L’esposizione radiofonica ha aiutato a mantenere il profilo pubblico di Ellington quando la sua orchestra ha iniziato a fare tour. Gli altri documenti di questa epoca includono: “Mood Indigo” (1930), “Sophisticated Lady” (1933), “Solitude” (1934) e “In a Sentimental Mood” (1935)
Qui, i pezzi più lunghi avevano già iniziato ad apparire. Aveva composto e registrato “Creole Rhapsody” già nel 1931 (pubblicato come entrambi i lati di un disco da 12 “per Victor e entrambi i lati di un disco da 10” per Brunswick), e un omaggio a sua madre, “Reminiscing in Tempo”, prese quattro dischi da 10 “per essere registrata nel 1935 dopo la sua morte in quell’anno. Symphony in Black ( 1935), un cortometraggio, presentava il suo pezzo esteso ‘A Rhapsody of Negro Life’. Presentò  Billie Holiday e vinse un accademy award come miglior cortometraggio musicale.
Ellington e la sua orchestra sono apparsi anche nei film Murder at the Vanities e Belle of the Novanta (entrambi 1934).
Per l’agente Mills, l’attenzione fu un trionfo pubblicitario, poiché Ellington era ormai conosciuta a livello internazionale. Nel tour della band attraverso il sud segregato nel 1934, evitarono alcune delle difficoltà di viaggio degli afroamericani viaggiando in vagoni ferroviari privati. Questi fornivano facili sistemazioni, ristorazione e deposito per le attrezzature evitando le indignazioni delle strutture separate.
La competizione si stava intensificando, tuttavia, quando band swing come quella di  Benny Goodman iniziarono a ricevere attenzione popolare. Le danze swing diventarono un fenomeno giovanile, in particolare per il pubblico universitario bianco, e la ballabilità ha spinto vendite e prenotazioni da record. I jukebox proliferarono a livello nazionale, diffondendo il vangelo dello swing. La band di Ellington poteva certamente swingare, ma i suoi punti di forza erano l’umore, la sfumatura e la ricchezza della composizione, quindi la sua affermazione diventò storica : “il jazz è musica, lo swing è business

Dal 1936, Ellington iniziò a registrare con gruppi più piccoli (sestetti, ottetti e nonetti) tratti dalla sua orchestra che aveva già quindici anni e compose brani destinati a presentare uno strumentista specifico, come con “Jeep’s Blues” per Johnny Hodges ” Brama of love “per Lawrence Brown,” Trumpets in spades “per Rex Stewart,” Echoes of Harlem “per Cootie Williams e” Clarinet Lament “per Barney Bigard. Nel 1937, Ellington tornò al Cotton Club, che si era trasferito nel quartiere dei teatri della città. Nell’estate di quell’anno, suo padre morì e, a causa di molte spese, le finanze di Ellington furono strette, sebbene la sua situazione migliorò l’anno successivo.
Dopo aver lasciato l’agente Irving Mills, firmò con la William Morris Agency. Mills continuò comunque a registrare Ellington. Dopo solo un anno, le sue etichette Master e Variety (i piccoli gruppi avevano registrato per quest’ultimo), crollarono alla fine del 1937, Mills rimise Ellington su Brunswick e quelle unità di piccoli gruppi su Vocalion fino al 1940. I lati noti continuarono ad essere registrati , “Caravan” nel 1937 e “I Let a Song Out Out of My Heart” l’anno successivo.
Billy Strayhorn, inizialmente assunto come paroliere, iniziò la sua associazione con Ellington nel 1939.
Soprannominato “Swee ‘Pea” per i suoi modi gentili, Strayhorn divenne presto un membro vitale dell’organizzazione Ellington. Ellington ha mostrato grande affetto per Strayhorn e non ha mai mancato di parlare in modo brillante dell’uomo e della sua relazione di lavoro collaborativa, “il mio braccio destro, il mio braccio sinistro, tutti gli occhi nella parte posteriore della mia testa, le onde cerebrali nella sua testa e il suo in mio”. Strayhorn, con la sua formazione in musica classica, non solo ha contribuito con i suoi testi e la sua musica originali, ma ha anche organizzato e perfezionato molte delle opere di Ellington, diventando un secondo Ellington o “Duke’s doppelganger”. Non è raro che Strayhorn faccia il pieno per Duke, sia nel dirigere o provare la band, suonare il piano, sul palco e nello studio di registrazione.
Gli anni ’30 terminarono con un tour europeo di grande successo proprio mentre la seconda guerra mondiale incombeva in Europa.
Alcuni dei musicisti che si unirono a Ellington in quel momento crearono una sensazione a sé stante. Jimmy Blanton ha trasformato l’uso del contrabbasso nel jazz, permettendogli di funzionare come strumento solista / melodico piuttosto che come strumento ritmico. La malattia terminale lo costrinse a lasciare alla fine del 1941 dopo solo circa due anni. Ben Webster, il primo sassofonista tenore regolare dell’Orchestra, il cui incarico principale con Ellington durò dal 1939 al 1943, iniziò una rivalità con Johnny Hodges come voce principale dell’Orchestra nella sezione sax.
Il trombettista Ray Nance si unì, in sostituzione di Cootie Williams che aveva disertato con Benny Goodman. Inoltre, Nance ha aggiunto il violino ai colori strumentali che Ellington aveva a sua disposizione. Esistono registrazioni della prima data del concerto di Nance il 7 novembre 1940, a Fargo, nel Dakota del Nord. Realizzate privatamente da Jack Towers e Dick Burris, queste registrazioni furono per la prima volta legittimamente pubblicate nel 1978 come Duke Ellington a Fargo, 1940 Live; sono tra le prime innumerevoli esibizioni dal vivo che sopravvivono. Nance era anche un cantante occasionale, sebbene Herb Jeffries fosse il principale cantante maschile in questa era (fino al 1943) mentre Al Hibbler (che sostituì Jeffries nel 1943) continuò fino al 1951. Ivie Anderson lasciò nel 1942 per motivi di salute dopo undici anni: il più lungo termine di uno dei cantanti di Ellington.
Ancora una volta registrando per Victor (dal 1940), con i piccoli gruppi che registrano per la loro etichetta Bluebird, i capolavori di tre minuti sui lati del disco a 78 giri continuarono a fluire da Ellington, Billy Strayhorn, il figlio di Ellington Mercer Ellington e membri dell’Orchestra. “Cotton Tail”, “Main Stem”, “Harlem Air Shaft”, “Jack the Bear” e dozzine di altri risalgono a questo periodo. “Take the” A “Train” di Strayhorn fu un successo nel 1941, divenne il tema della band, sostituendo “East St. Louis Toodle-Oo”. Ellington e i suoi collaboratori hanno scritto per un’orchestra di voci distintive che hanno mostrato un’enorme creatività. Mary Lou Williams, che lavorava come arrangiatore, si sarebbe unita brevemente a Ellington qualche anno dopo.
L’obiettivo a lungo termine di Ellington era però quello di estendere la forma jazz da quel limite di tre minuti, di cui era un maestro riconosciuto.
Mentre aveva composto e registrato alcuni brani estesi in precedenza, tali lavori ora erano diventati una caratteristica regolare della produzione di Ellington. In questo, fu aiutato da Strayhorn, che aveva goduto di un addestramento più approfondito nelle forme associate alla musica classica rispetto a Ellington. Il primo di questi, Black, Brown e Beige (1943), era dedicato a raccontare la storia degli afroamericani e il luogo della schiavitù e della chiesa nella loro storia. Black, Brown e Beige debuttò alla Carnegie Hall il 23 gennaio 1943, iniziando una serie annuale di concerti Ellington nella sede per i successivi quattro anni. Mentre alcuni musicisti jazz avevano suonato prima alla Carnegie Hall, nessuno aveva mai suonato nulla di elaborato come il lavoro di Ellington. Sfortunatamente, iniziando uno schema regolare, le opere più lunghe di Ellington non furono generalmente ben accolte.
Una parziale eccezione fu Jump for Joy, un musical di lunga durata basato su temi di identità afroamericana, debuttato il 10 luglio 1941 al Mayan Theatre di Los Angeles. I luminari di Hollywood come gli attori John Garfield e Mickey Rooney hanno investito nella produzione, e Charlie Chaplin e Orson Welles si sono offerti di dirigere.
Ad una performance, Garfield ha insistito sul fatto che Herb Jeffries, che aveva la pelle chiara, avrebbe dovuto truccarsi. Ellington obiettò nell’intervallo e paragonò Jeffries ad Al Jolson. Il cambiamento è stato ripristinato e il cantante in seguito ha commentato che il pubblico doveva aver pensato che fosse un personaggio completamente diverso nella seconda metà dello spettacolo.
Sebbene avesse esibizioni esaurite e ricevuto recensioni positive, durò solo 122 esibizioni fino al 29 settembre 1941, con un breve risveglio nel novembre di quell’anno. La sua materia non lo rendeva attraente a Broadway.Nonostante questa delusione, una produzione a Broadway di Ellington’s Beggar’s Holiday, il suo unico libro musicale, fu presentata per la prima volta il 23 dicembre 1946,sotto la direzione di Nicholas Ray.
L’insediamento del primo divieto di registrazione del 1942-1943, che portò ad un aumento dei canoni pagati ai musicisti, ebbe un grave effetto sulla redditività finanziaria delle grandi band, compresa la Ellington’s Orchestra. Il suo reddito come cantautore lo aiutò. Anche se ha sempre speso generosamente e ricavato un reddito rispettabile dalle operazioni dell’Orchestra, il reddito della band spesso copriva solo le spese.
I musicisti arruolati nelle restrizioni militari resero difficile i tour per le grandi band e il balo è diventò soggetto a una nuova tassa continuata per molti anni, influenzando le scelte dei proprietari di club. Alla fine della seconda guerra mondiale, l’attenzione della musica popolare si stava spostando verso cantanti crooner come Frank Sinatra e Jo Stafford. Dato che il costo dell’assunzione di grandi gruppi era aumentato, i proprietari di club ora trovavano i gruppi jazz più piccoli più convenienti. Alcuni dei nuovi lavori di Ellington, come il lungometraggio vocale senza parole “Transblucency” (1946) con Kay Davis, non avrebbero avuto una portata simile a quella delle star emergenti
Ellington ha continuato il suo percorso attraverso questi cambiamenti enormi. Mentre Count Basie fu costretto a sciogliere l’intero ensemble e a lavorare come ottetto per un certo periodo, Ellington fu in grado di visitare la maggior parte dell’Europa occidentale tra il 6 aprile e il 30 giugno 1950, con l’orchestra che suonò 74 date in 77 giorni. Durante il tour, secondo Sonny Greer, i nuovi lavori non furono eseguiti, sebbene la composizione estesa di Ellington, Harlem (1950) fosse in fase di completamento in questo momento. In seguito Ellington ha presentato la sua colonna sonora al presidente appassionato di musica Harry Truman. Anche durante il suo periodo in Europa, Ellington avrebbe composto la musica per una produzione teatrale di Orson Welles. Intitolato Time Runs in Paris e An Evening With Orson Welles in Frankfurt, lo spettacolo di varietà presentava anche una Eartha Kitt appena scoperta, che interpretava la canzone originale di Ellington “Hungry Little Trouble” nei panni di Helen of Troy.
Nel 1951, Ellington subì una significativa perdita di personale: Sonny Greer, Lawrence Brown e, soprattutto, Johnny Hodges lasciarono per intraprendere altre iniziative, sebbene solo Greer fosse un dipartimento permanente. Il batterista Louie Bellson ha sostituito Greer e il suo “Skin Deep” è stato un successo per Ellington. Il tenore  Paul Gonsalves si un’ nel dicembre 1950 dopo periodi con  Count BasieDizzy Gillespie e rimase per il resto della sua vita, mentre Clark Terry si unì nel novembre 1951
Durante i primi anni ’50, la carriera di Ellington era in un punto basso con il suo stile generalmente visto come fuori moda, ma la sua reputazione non ha sofferto tanto quanto alcuni artisti. André Previn disse nel 1952: “Sai, Stan Kenton può stare di fronte a mille violini e mille ottoni e fare un gesto drammatico e ogni arrangiatore in studio può annuire con la testa e dire: Oh, sì, è fatto così. Ma Duke alza semplicemente il dito, tre corni emettono un suono e non so di cosa si tratti! “Tuttavia, nel 1955, dopo tre anni di registrazioni per Capitol, Ellington mancava di un’affiliazione di registrazione regolare.
L’apparizione di Ellington al Newport Jazz Festival il 7 luglio 1956 lo riportò in una posizione di rilievo e lo presentò a una nuova generazione di fan. Il film “Diminuendo e Crescendo in Blue” comprendeva due brani che erano stati nel libro della band dal 1937 ma in gran parte dimenticato fino a quando Ellington, che aveva bruscamente terminato il set programmato della band a causa dell’arrivo in ritardo di quattro musicisti chiave, ha chiamato i due brani . Annunciando che i due pezzi sarebbero stati separati da un interludio suonato dal sassofonista tenore Paul Gonsalves, Ellington ha continuato a guidare la band attraverso i due pezzi, con l’assolo maratona a 27 cori di Gonsalves che ha scatenato la folla, portando il Maestro a suonare oltre il coprifuoco, nonostante le urgenti richieste dell’organizzatore del festival George Wein di porre fine al programma.
Il concerto ha fatto notizia a livello internazionale, ha portato a una delle sole cinque storie di copertina della rivista Time dedicate a un musicista jazz e ha portato a un album prodotto da George Avakian che sarebbe diventato l’LP più venduto della carriera di Ellington. Gran parte della musica del LP in vinile era, in effetti, simulata, con solo circa il 40% in realtà dal concerto stesso. Secondo Avakian, Ellington non era soddisfatto degli aspetti della performance e sentiva che i musicisti erano stati sottoposti a stress. Il gruppo si è riunito il giorno successivo per registrare nuovamente molti dei numeri con l’aggiunta del rumore artificiale della folla.
Alla fine, nel 1999 la registrazione del concerto è stata correttamente pubblicata per la prima volta. L’attenzione rianimata causata dall’apparizione di Newport non avrebbe dovuto sorprendere nessuno, Johnny Hodges era tornato l’anno precedente e la collaborazione di Ellington con Strayhorn era stata rinnovata nello stesso periodo, in termini più suscettibili ai giovani.
L’album originale di Ellington a Newport fu la prima uscita in un nuovo contratto discografico con la Columbia Records che produsse diversi anni di stabilità discografica, principalmente sotto il produttore Irving Townsend, che persuase produzioni commerciali e artistiche di Ellington.
Nel 1957, la CBS (società madre della Columbia Records) trasmise una produzione televisiva dal vivo di A Drum Is a Woman, una suite allegorica che ricevette recensioni contrastanti. La sua speranza che la televisione fornisse un nuovo importante sbocco per il suo tipo di jazz non fu soddisfatta. Sapori e tendenze erano andati avanti senza di lui. Le apparizioni del festival al nuovo Monterey Jazz Festival e altrove hanno offerto spazi per un’esibizione dal vivo, e un tour europeo nel 1958 è stato ben accolto. Such Sweet Thunder (1957), basato sui drammi e sui personaggi di Shakespeare, e The Queen’s Suite (1958), dedicato alla regina Elisabetta II, furono i prodotti del rinnovato slancio che l’aspetto di Newport contribuì a creare, sebbene quest’ultimo lavoro non fosse commercialmente rilasciato al momento. La fine degli anni ’50 vide anche Ella Fitzgerald registrare il suo Duke Ellington Songbook (Verve) con Ellington e la sua orchestra – un riconoscimento che le canzoni di Ellington erano ora diventate parte del canone culturale noto come “Great American Songbook”.
Intorno a questo periodo Ellington e Strayhorn hanno iniziato a lavorare sulla colonna sonora dei film.
Il primo di questi fu Anatomy of a Murder (1959), un dramma in aula diretto da Otto Preminger e con James Stewart, in cui Ellington apparve davanti a una combo roadhouse. Questo è stato seguito da Paris Blues (1961), con Paul Newman e Sidney Poitier come musicisti jazz. Nel 2009 il critico musicale di Detroit Free Press Mark Stryker scrisse che il lavoro di Ellington e Strayhorn in Anatomy of a Murder, è “indispensabile, [anche se] … troppo impreciso per posizionarsi al primo posto tra le suite di capolavori di Ellington-Strayhorn come Such Sweet Thunder e La Far East Suite, ma i suoi momenti più ispirati sono uguali. ”
Gli storici del cinema hanno riconosciuto la colonna sonora “come un punto di riferimento – la prima significativa musica cinematografica di Hollywood degli afroamericani che comprende musica non diegetica, cioè musica la cui fonte non è visibile o implicita dall’azione nel film, come una band sullo schermo. ” La colonna sonora evitò gli stereotipi culturali che in precedenza caratterizzavano le partiture jazz e respingeva una stretta aderenza alla grafica in modi che presagivano il cinema New Wave degli anni ’60 “.
Ellington e Strayhorn, sempre alla ricerca di nuovi territori musicali, produssero suite per Sweet thrusday, Lo schiaccianoci di Ciajkovskij e Peer Gynt di Edvard Grieg.
All’inizio degli anni ’60, Ellington ha abbracciato la registrazione con artisti che erano stati rivali amichevoli in passato, o erano musicisti più giovani che si sono concentrati su stili successivi. Le orchestre di Ellington e Count Basie registrate insieme all’album First Time! The count meets the duke (1961). Durante un periodo in cui Ellington si trovava tra contratti di registrazione, ha realizzato dischi con Louis Armstrong (Roulette), Coleman Hawkins, John Coltrane (entrambi per Impulse) e ha partecipato a una sessione con Charles Mingus e Max Roach che ha prodotto Money Jungle (United Artists). Ha firmato con la nuova etichetta Reprise di Frank Sinatra, ma l’associazione con l’etichetta è stata di breve durata.
I musicisti che avevano precedentemente lavorato con Ellington tornarono all’Orchestra come membri: Lawrence Brown nel 1960 e Cootie Williams nel 1962.
Ora si esibiva in tutto il mondo; una parte significativa di ogni anno è stata spesa in tournée all’estero. Di conseguenza, ha stretto nuove relazioni di lavoro con artisti di tutto il mondo, tra cui la cantante svedese Alice Babs e i musicisti sudafricani Dollar Brand e Sathima Bea Benjamin (A Morning in Paris, 1963/1997).
Ellington ha scritto una colonna sonora originale per la produzione del regista Michael Langham del Timon di Atene di Shakespeare allo Stratford Festival in Ontario, Canada, inaugurato il 29 luglio 1963. Langham lo ha usato per diverse produzioni successive, incluso un adattamento molto più tardivo di Stanley Silverman che espande la colonna sonora con alcune delle opere più famose di Ellington.
Ellington è stata selezionato per il Premio Pulitzer per la musica nel 1965, ma alla fine non è stato assegnato alcun premio in quell’anno. Poi , a 66 anni, ha scherzato: “Il destino è gentile con me. Il destino non vuole che io sia famoso troppo giovane.” Nel 1999 gli è stato assegnato postumo uno speciale Premio Pulitzer “che commemora il centenario della sua nascita , in riconoscimento del suo genio musicale, che ha evocato esteticamente i principi della democrazia attraverso il jazz e ha quindi dato un contributo indelebile all’arte e alla cultura. ”
Nel settembre del 1965, ha presentato in anteprima il primo dei suoi concerti sacri. Ha creato una liturgia cristiana jazz. Sebbene il lavoro abbia ricevuto recensioni contrastanti, Ellington era orgoglioso della composizione e l’ha eseguita dozzine di volte. Questo concerto è stato seguito da altri due dello stesso tipo nel 1968 e nel 1973, conosciuti come il secondo e il terzo concerto sacro. Ciò ha generato polemiche in quello che era già un periodo tumultuoso negli Stati Uniti. Molti vedevano le suite di musica sacra come un tentativo di rafforzare il supporto commerciale per la religione organizzata, sebbene Ellington dicesse semplicemente che era “la cosa più importante che ho fatto”. Il pianoforte Steinway su cui erano composti i concerti sacri fa parte della collezione del Museo Nazionale di Storia Americana dello Smithsonian. Come Haydn e Mozart, Ellington ha diretto la sua orchestra dal piano – ha sempre suonato le parti di tastiera quando sono stati eseguiti i concerti sacri.
Duke compì 65 anni nella primavera del 1964 ma non mostrò alcun segno di rallentamento mentre continuava a registrare registrazioni vitali e innovative, tra cui The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), Latin American Suite (1972) e The Afro -Eurasian Eclipse (1971), in gran parte ispirato ai suoi tour mondiali. Fu durante questo periodo che registrò il suo unico album con Frank Sinatra, intitolato Francis A. & Edward K. (1967).
Ellington ha eseguito quello che è considerato il suo ultimo concerto completo in una sala da ballo presso la Northern Illinois University il 20 marzo 1974.
Gli ultimi tre spettacoli che Ellington e la sua orchestra hanno eseguito sono stati uno il 21 marzo 1973 presso la Hall of Music della Purdue University e due il 22 marzo 1973 allo Sturges-Young Auditorium di Sturgis, nel Michigan

 

andreabianchi85 Mostra tutti

Freelance drummer.
Musicaddicted.

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